Henri Alexis Schaeffer Biographie

Henri Alexis Schaeffer est né à Paris, en France, au début Août de 1900. Un élève de l'Ecole Nationale des Beaux Arts de Paris Schaeffer a étudié la peinture sous la main du maître Cormon. Peintures antérieures de Schaeffer consistaient principalement en des études d'architecture des monuments classiques et des monuments religieux. Quel que soit le sujet, la quasi-al des travaux antérieurs de l'artiste était d'un thème religieux. Ce n'est que beaucoup plus tard dans sa carrière que Henri Schaeffer représentait Paris à travers ses boulevards impériales et pittoresque.

Dans cette ingéniosité qu'il y avait un certain degré de rétroactivité inhérente à la nature de son travail plus tard. Les peintures représentent des sujets et des monuments de Paris, mais le Paris qu'il dépeint est le Paris d'un jour plus tôt, voitures, becs de gaz, les femmes dans les vêtements de style comme il était dans les premières décennies de ce siècle. Il a été suggéré que Schaeffer était un peintre du Paris de son enfance.

Henri Alexis Schaeffer est resté à Paris tout au long de sa vie et y mourut en 1975. L'artiste était un membre du Salon des Artistes Français à partir de 1934.

Henri de Saint-Delis n'est, de son vivant, connu que de ses amis, peintres comme lui. En effet, toute sa vie il garda ses œuvres, refusant de les exposer, et plus encore à les vendre.

Né dans le Pas-de-Calais, il arrive au Havre avec sa famille à la mort de son père en 1882. Il y fait plus tard son entrée au lycée où son premier camarade de classe estOthon Friesz, celui-là même qui un jour confia qu’« Henri de Saint-Delis est le meilleur d’entre-nous »^{[réf. nécessaire]}. Et lui aussi, comme Friesz justement, mais aussi comme Dufy, Braque, Lecourt, Albert Copieux, qui tous furent ses amis, suit les cours de l’École des Beaux-arts du Havre du temps deCharles Lhuillier. Puis à l’instar de ses amis il va à Paris, choisissant de travailler à l’Académie Julian, mais la tuberculose l’empêche de s’y attarder.

Ainsi frappé par la maladie il part pour la Suisse où il séjourne trois ans, de 1916 à 1919, à Leysin et où il peint de nombreux paysages de montagnes.

En 1920, il rejoint l’estuaire de la Seine et y demeure jusqu’à sa mort. Trente années exclusivement consacrées à la peinture et à quelques élèves, tels Piaggi, Gabet, Fischer, Leterreux ou Legros, et pendant lesquelles il vit modestement.

Le public ne découvre son œuvre qu’en 1954 lors d’une exposition rétrospective organisée par la galerie André Weil à Paris, cinq ans après sa mort.

Marceliano Santa Maria 1866-1942 Il  fréquente l’Academia de Dibujo del Consulado del Mar de Burgos où il  est l’élève d’ Isidoro Gil Gabilondo  et d’ Evaristo Barrio. Puis à l’école des Beaux Arts de Madrid et l’atelier de Manuel Dominguez. Il est professeur puis directeur de l’Ecole des Arts et Métiers de Madrid. Il a pratiqué tous les thèmes picturaux, peinture d'histoire, portraits, autoportraits et paysages liés à la Castille.

Marceliano Santa Maria - San Lesmes

Raoul Dufy

Raoul Dufy (1877-1953) est né au Havre. Il y suit les cours de Charles Lhuillier, élève d’Ingres, à l’Ecole municipale des Beaux-arts, en compagnie de son ami Othon Friesz. Il le retrouvera à Paris dans l’atelier de Léon Bonnat .

Il a été influencé d’abord par l’impressionnisme, puis vers 1905, par le fauvisme. Il se tourne ensuite vers les recherches de Cézanne. Il illustre « le bestiaire » de Guillaume Apollinaire. Il travaille  pour le couturierPaul Poiret et pour la maison de soieries lyonnaise   Bianchini-Férier.

Après ses premiers séjours dans le Sud de la France, sa palette s’éclaircit  et ses couleurs sont éclatantes. Dans les années 20 il fréquente les champs de course, qui vont beaucoup l’inspirer. Il a son atelier à Paris mais réside  souvent sur la Côte d’Azur, dont sa femme est originaire. En 1937, il réalise « La fée électricité » une fresque monumentale lors de l’’exposition internationale qui se tient à Paris. Après une période d’oubli, il est maintenant revenu en grâce.

Il s’est beaucoup exprimé dans des dessins, des aquarelles parfois rehaussées à la gouache. Il en a produit plusieurs milliers, malheureusement il en détruisait beaucoup. Il a peint des scènes de plage, de mer, de fêtes, de musique. Ces représentations sont toujours gaies et colorées. Le dessin à l’encre de chine est souvent apparent.

On peut trouver des éléments biographiques sur Wiki et une liste de nombreux liens ici 

Certaines de ses œuvres sur toile ou sur papier sont visibles sur le site de l’Adagp qui gère les droits d’auteurs dans les arts visuels. Ainsi que sur Artcyclopedia qui répertorie les sites des musées qui possèdent des œuvres de Raoul Dufy. Et une vidéo du l’exposition qui lui a été consacré récemment au musée d’art moderne de la ville de Paris.

Raoul Dufy -Bateau à voile - 1908 - Aquarelle

Raoul Dufy - Baccara - 1925 - Aquarelle

Raoul Dufy - La famille Kessler à cheval - 1931 - Aquarelle

Raoul Dufy - Ascot - 1938 - Aquarelle

Raoul Dufy - Perpignan - 1947 - Aquarelle

Léon-Georges Buysse était destiné à succéder à son père à la tête d’une des grandes industries textiles. Pour cela il fut envoyé approfondir ses connaissances dans des filatures en Allemagne et en Angleterre. Il reprit la direction des entreprises familiales d’abord progressivement lors de la maladie de son père puis définitivement après son mariage avec Marthe Baertsoen.

Le Canal Gent-Terneuzen en hiver, Museum van Deinze en de Leiestreek

Durant son temps libre Buysse était un artiste peintre passionné. Il suivit des leçons auprès du peintre gantois Louis Tytgadt et parcourut les musées. Le peintre Emile Claus, qui était de ses amis, lui donna également beaucoup de conseils. Buysse ne prit part à des expositions qu’à partir de 1894 à l’incitation de ses amis, entre autres Emile Claus. Lors du Salon de 1894 de la Société Nationale des Beaux-Arts à Paris, il exposa deux toiles portant sur des « effets de neige ». Dans un premier temps, il exposa uniquement à l’étranger : Paris, Venise, Barcelone, Londres, Berlin, États-Unis, et c’est seulement à partir de 1900 qu’il prit part à des expositions dans son propre pays. Au niveau international, les critiques d’art (articles dans Le Figaro, Art Moderne, le Matin, le Daily Telegraph, New York Herald, Kölnische Zeitung, Algemeine Zeituing, le Times, le Soir, Daily Express, etc.) lui font bon accueil, tel Alexandre au sujet du Salon de Paris dans le Figaro du 14 avril 1906 parlant des paysagistes : « seul, ou presque, le très beau Canal en décembre, de M. Buysse, me paraît offrir une véritable nouveauté. Comme atmosphère, comme trouvaille de couleurs et de lignes, comme vérité de sentiment, c’est une des meilleures paysages flamands que nous ayons vus en ces dernières années.» Il exposa dans des salons de “La Libre Esthétique” à Bruxelles, des cercles artistiques gantois et bruxellois. À cette époque, ses thématiques portaient sur des paysages et des vues de la ville de Gand, des vues de jardins de résidences de campagne dans les environs de Gand.

À partir de 1899 il souffrit d’une maladie dégénérative pour laquelle aucun diagnostique précis ne fut établi. Il partit en cure de repos pour quelques mois dans le Sud de la France et le Nord de l’Italie avec Emile Claus. Il visita les environs de Nice (Saint-Jean-Cap-Ferrat, Villefranche) où il réalisa de nombreux pastels ensoleillés. Buysse s’établit en 1900 à Wondelgem, dans une demeure magnifique, “Ter Vaert”, dessinée par l’architecte art-nouveau Paul Hankar. De plus en plus limité dans ses déplacements, il y bénéficiait d’une vue sur le canal Gent-Terneuzen. Ce canal et la navigation qui y est liée – et ceci à travers toutes les saisons - allait dès lors jouer un rôle prépondérant dans son œuvre.

En 1904, Buysse fut un des cofondateurs du cercle artistique Vie et Lumière, qui regroupait des peintres luministes tels Anna Boch, William Degouve de Nuncques, James Ensor, Adrien-Joseph Heymans, Georges Lemmen, Emile Claus, Jenny Montigny, Anna De Weert, Edmond Verstraeten, Aloïs De Laet, Georges Morren, Willem Paerels, Rodolphe De Saegher et Alfred Hazledine. Après 1910 sa maladie l’empêcha pratiquement de travailler. Au déclenchement de la première guerre mondiale, il s’exila en Angleterre, malgré sa maladie qui empirait. Il retourna assez vite, en passant par les Pays-Bas, en Flandres où il devait décéder en 1916.

Œuvre

Ses premières œuvres étaient réalistes ou pré-impressionnistes. La thématique et l’ambiance générale qui s’en dégage reste proche de celle qu’on retrouve chez Albert Baertsoen. Sa palette devient – sous l’influence d’Emile Claus et suite à leur voyage dans le sud de la France plus claire. Dès lors, son œuvre reprend clairement des caractéristiques impressionnistes et luministes.

Il adhéra totalement au luminisme, notamment en tant que co-fondateur du cercle artistique « Vie et Lumière », et reprit cette accentuation de la lumière et des effets de lumière dans sa peinture. Si son œuvre connut une certaine célébrité internationale jusqu’à la rétrospective de 1922, elle tomba dans l’oubli malgré la présence d’œuvres dans plusieurs grands musées, dont le Musée du Quai d’Orsay.

Ce notable gantois fut un fervent défenseur des impressionnistes flamands du début du XXe siècle. Mais aussi un aquarelliste et surtout pastelliste de grand talent.

Avec l'aide de Peter Benoît, Emile Claus peut étudier de 1869 à 1874 à l'Académie des Beaux-Arts d'Anvers. Claus est originaire d'un milieu modeste, qui n'apprécie que modérément ses ambitions artistiques. Cependant, le jeune homme se taille en peu de temps une place dans la vie artistique anversoise. En 1874, à peine diplômé, il envoie son travail au Salon trisannuel de Gand; ce travail est immédiatement accepté. Bien que les premières années il soit essentiellement portraitiste, il se fait petit à petit un nom comme paysagiste. Il va parler le langage de la nature, surtout après son voyage orientaliste en Afrique du Nord et en Espagne et un séjour à Domburg. Entre-temps, il se montre particulièrement actif dans le milieu artistique anversois, en compagnie de ses amis d'académie Frans Hens et Théodore Verstraete. Aux expositions du Cercle Littéraire et Artistique local, il se dresse contre la scène artistique conservatrice d'Anvers. Lentement, l'artiste se profile dans d'importantes expositions dans le pays et à l'étranger, de Bruxelles à Paris; vers 1889, il jouit d'une grande notoriété en France, en Grande-Bretagne et en Allemagne.

Jusqu'à son mariage en 1886, Claus conserve un pied-à-terre à Anvers. Mais sur le plan créatif, il est surtout présent à Astene et aux alentours, dans l'environnement immédiat de la maison de campagne qu'il occupe à partir de 1881. Depuis cette maison de campagne, qui sera plus tard baptisée Villa Zonneschijn, il a une vue panoramique sur la Lys et les bois autour du château van Ooidonk. Les toiles monumentales qu'il expose aux Salons de Bruxelles et de Paris naissent autour de la Villa Zonneschijn. Il connaît un succès particulièrement important avec ces tableaux, mais en tant qu'artiste il ne se sent pas encore complètement abouti. Les hivers 1889 et 1891, il séjourne à Paris où il est directement confronté à la peinture moderne. Ensuite, par l'intermédiaire de l'éminent romancier et critique d'art Camille Lemonnier, il est introduit dans les milieux artistiques parisiens, et établit des contacts avec des artistes résidant à Paris comme Henri Duhem, Henri Le Sidaner, Frits Thaulow, Anders Zorn, etc. De Paris, il écrit à son compatriote et ami Albijn Van den Abeele: "Certes, Paris est séduisant et offre au peintre de superbes spectacles: ces ruées de gens fourmillant dans les rues et sur les boulevards sous la pluie ou le soleil, la Seine dont le large flux est continuellement coupé par de petits bateaux à vapeur qui sifflent, les canassons, les noirs remblais et les innombrables ponts noyés dans la brume, et la profusion d'immeubles gigantesques. Bref, toute cette vie grouillante dans cette grande ville mondiale est un trésor pour qui en fait ses délices".

Dès le moment où Claus opte pour l'impressionnisme moderniste, il prend place dans les cercles progressistes de Belgique. À partir de 1894, il est membre très apprécié de l'association d'artistes "La Libre Esthétique" qui perpétue au Musée Moderne bruxellois la tradition du cercle "Les XX". Du coup, il n'est plus associé à l'académisme anversois dans lequel il était encore compté en 1889.

Le choix inattendu de Claus pour l'impressionnisme trouble dans une grande mesure sa clientèle belge. Il persiste cependant, et son impressionnisme connaît assez vite un succès officiel. En 1892, le Musée des Beaux-Arts de Gand achète la toile "De ijsvolgels" (les Martins Pêcheurs) , une de ses premières œuvres impressionnistes abouties. Avec des hésitations, le public belge va suivre. Vers 1900, Claus, chef de file incontesté de l'impressionnisme belge, est couronné d'une médaille d'or à l'Exposition Universelle de Paris. À Paris également, il a accès aux milieux progressistes: la Galerie d'avant-garde Georges Petit est depuis 1895 la représentante de Claus à Paris. Auparavant, il a pris sa place dans le cénacle d'avant-garde du Champ de Mars, les expositions parisiennes qui s'opposent au Salon officiel de la ville.

En 1904, Claus participe à la naissance de l'association d'artistes "Vie et Lumière" qui réunit les impressionnistes belges. Les succès de Claus dans le pays et à l'étranger se succèdent, et à l'aube de la Première Guerre Mondiale, c'est un artiste célèbre dans l'Europe entière.

Au début de la guerre, il fuit en Grande-Bretagne. Après un court séjour au pays de Galles, il revient à Londres où il restera jusqu'à la libération. Claus connaît également le succès à Londres, entre autres par une exposition très remarquée à la Goupil Gallery en 1917.
 

Oeuvre :

À ses débuts, la notoriété de Claus est surtout celle d'un portraitiste. La bourgeoisie anversoise et bruxelloise lui reconnaît d'emblée une main de maître, qui sait à sa manière rendre la réalité dans de plaisantes petites pièces de cabinet romantico-réalistes, des tableaux de genre et des portraits cérémonieux. Il ne tombe sous l'emprise du paysage que lors d'un voyage en Afrique du Nord et en Espagne en 1879-1880. Subitement, tout l'aspect conventionnel de son travail disparaît. Son regard devient spontané, sa touche puissante et son coup de pinceau pâteux. Il ne reviendra plus au réalisme romantique dans ses morceaux de bravoure.

Progressivement, il tend ses antennes en dehors d'Anvers et de Bruxelles et apprend à connaître le naturalisme. Les naturalistes choisissent de représenter la vie de tous les jours en ville et surtout à la campagne. Dans son essence, le naturalisme est la continuation du réalisme, en en limant les côtés acerbes et critiques socialement. Les paysages monumentaux que Claus envoie aux Salons dans les années 1880 sont tous de tendance naturaliste, même s'il se montre peu à peu sensible à l'impressionnisme français. Malgré le grand succès qu'il rencontre avec ses pièces naturalistes aux grands Salons de Bruxelles et de Paris, il se cherche en fait une autre voie. Le réalisme tranchant, photographique et l'anecdotique pittoresque si caractéristiques vers 1886-1887 ont complètement disparu deux ans après. Claus était largement quadragénaire lorsque survient le principal revirement dans sa carrière. Il se retire du circuit officiel où il a moissonné avec succès et passe trois hivers dans un atelier à Paris. Il revient lentement sous l'influence de l'impressionnisme français, et revenu sur le front domestique, il va imbriquer cette technique dans son propre travail. Ses toiles ne deviennent pourtant pas vraiment françaises. Sa lumière a des teintes plus septentrionales que chez ses précurseurs français. Cette lumière brûlante prend forme avec des touches nerveuses qui, dans une large gamme de traits courts et longs, arrivent à créer une grandiose harmonie. Ses toiles sont alors le fruit d'une étude approfondie. L'une après l'autre, elles sont le résultat d'un profond travail de recherche. Il va conserver cette méthode de travail pendant quinze ans, jusqu'au début de la guerre.

À Londres, il abandonne l'impressionnisme heureux et lumineux et l'échange des coloris harmonieux en demi-teintes douces et feutrées. Le panorama sur la Tamise et Victoria Embankment, toujours changeant au fil des nuages, du soleil, du brouillard ou de la pluie, le conduit sans cesse à de nouvelles vue sur le fleuve, merveilleuses et éphémères, qui approchent de près l'esprit authentique de l'impressionnisme.

Jusqu'à sa mort, l'énergique septuagénaire restera très actif. Peu après la mort de l'artiste, le poète Karel Van de Woestyne l'a situé à la lumière de l'avant-garde débutante du début des années 1920: "Face à un artiste comme lui, la présomption est un grand danger, c'est plus qu'un danger que d'exiger de lui qu'il nous suive sur des voies dont nous ne connaissons par encore la fin. Comme un sage, Claus a choisi de ne pas quitter le maison dans laquelle il a décidé lui-même de se retirer. Cette maison est d'ailleurs dans un excellent état. Et… où donc est la nôtre ?"
 

bibliographie:

• Piet Boyens, Laethem-Saint-Martin: du symbolisme à l'expressionnisme, Tielt - Sint-Martens-Latem, Lannoo - Art Book Company, 1992.
• Johan De Smet, Emile Claus 1849-1924, Antwerpen - Brussel, Pandora - Gemeentekrediet, 1997.
• Johan De Smet, Laethem-Saint-Martin, un siècle d'art flamand, Tielt - Zwolle, Lannoo - Waanders, 2000.

Robinson a exposé pour la première fois en 1906 alors qu’il enseignait à l’école d’art d’Hamilton. Il s’agissait d’une exposition conjointe avec MM. Neyland et Gordon. C’est à ce moment que Robinson a vendu sa toute première toile et il se rappelle très bien cette grande occasion. Le tableau représentait une scène d’hiver avec l’église que fréquentait le lieutenant-gouverneur de l’Ontario, l’honorable J.M. Gibson. L’acheteur était M. Gibson.

Mais c’est le talent de Robinson comme pianiste, et non pas comme peintre, qui a donné lieu à la rencontre qui allait être le point tournant de sa carrière et de sa vie entière. Les Truesdale, des amis des parents de Robinson, recevaient chez eux des gens de Montréal, M. et Mme William L. Davis. Les Truesdale avaient donc demandé à Albert, le pianiste, de se joindre à eux pour divertir leurs invités. C’est précisément ce qu’il a fait et les Davis ont été fort impressionnés par le jeune homme surtout lorsqu’ils ont vu certaines de ses œuvres. M. Davis a promptement acheté les trois premières huiles de Robinson.

M. Davis s’y connaissait en art, et il a confié aux parents d’Albert que ce dernier gaspillait son talent exceptionnel en restant là où il était. M. Davis a suggéré qu’Albert retourne avec eux à Montréal. Ils lui trouveraient un studio, garantiraient son loyer et le présenteraient aux grands noms de la peinture canadienne ainsi qu’aux amateurs d’art susceptibles d’apprécier son travail. Étant sans enfant, M. et Mme Davis ont dit qu’ils allaient veiller sur Robinson comme sur un fils et c’est bien ce qu’ils ont fait.

Robinson était prêt à partir-sur-le-champ. À Montréal, il est allé vivre chez les Davis comme un membre de la famille. Ces derniers lui ont trouvé à la Place Phillips un studio qu’il partageait avec Robert Findlay, architecte. M. Davis lui a présenté William Brymner, président de l’Académie royale des arts du Canada, Edmond Dyonnet, secrétaire de l’Académie, et Maurice Cullen, qui ont pris Robinson sous leur aile protectrice. M. Davis a montré les trois toiles de Robinson à Brymner, qui conseilla de les présenter en vue de la prochaine exposition de l’Académie royale des arts du Canada tenue à l’ancien Musée des beaux-arts au carré Phillips. Les trois œuvres furent acceptées (il a exposé avec l’Académie de 1909 à 1933). Peu de temps après, en 1911, Robinson, qui avait 30 ans, a été élu associé de l’Académie; il était alors l’un des plus jeunes membres dans l’histoire de l’Académie. Il est devenu membre à part entière en 1920. Il a également été membre fondateur du Canadian Group of Painters (1933) issu du Groupe des Sept.

Robinson était virtuellement entouré de grands noms de l’art du Canada. Horne Russell,, Cullen Maxwell, l’architecte, et les trois filles Des Clayes avaient des studios tout près. Suzor-Côté travaillait dans la pièce voisine, ce qui avait des avantages mais aussi, comme le dit en souriant Robinson, des désavantages. Suzor-Côté avait une très belle voix au point qu’il avait d’abord étudié le chant avant de se tourner vers la sculpture et la peinture. Robinson aimait bien entendre Suzor-Côté chanter – sauf quand il exposait. Les deux artistes étaient toutefois de bons amis et Robinson a tenu sa première véritable exposition avec Suzor-Côté. 

Mais il y a environ une vingtaine d’année, le malheur a frappé et depuis lors, Robinson a été incapable de manier ses pinceaux. En effet, l’artiste a eu une crise cardiaque et a souffert des complications qui s’ensuivent dont l’arthrite. Il a vécu par la suite dans un tel isolement que le Canadian Group of Painters dont il est membre fondateur l’a classé au nombre des artistes décédés en 1954. Lorsque son médecin lui a conseillé de pratiquer le golf, il est allé au club de golf Marlborough où les Davis étaient membres originaires; c’est là qu’il a rencontré Marion Ethelwynne Russell. Ils se sont mariés en 1952 et habitent un coquet cottage dans l’ouest de Montréal.

Feu A.H. Robson, l’un des plus grands amateurs de peinture canadienne et auteur de nombreux excellents livres sur la peinture et les peintres du Canada, a affirmé dans Canadian Landscape Painters – ouvrage qui fait autorité, dans le chapitre sur le Groupe des Sept : « Albert H. Robinson, fréquemment invité à présenter ses œuvres dans le cadre des expositions du Groupe des Sept, est un peintre qui se distingue par son individualité. Il possède le rare talent de résumer et de simplifier un sujet ainsi que d’appliquer la peinture avec une subtilité et un raffinement dans la couleur qui rappelle parfois vaguement Morrice.

« Certains peintres canadiens modernes ont été accusés d’abuser des couleurs primaires, ce qui fait que leurs œuvres manquent de raffinement. On ne peut faire telle accusation contre la peinture de robinson. En effet, il utilise la couleur avec retenue et grand art, teinte son interprétation de poésie et de sentiment, en plus de choisir des sujets résolument canadiens. »

Les murs de la maison de Robinson, au rez-de-chaussée comme à l’étage, sont tapissés de toiles et d’esquisses, d’huiles et d’aquarelles, mais le visiteur est surpris d’apprendre qu’aucune n’appartient à l’artiste. À un moment donné pendant sa maladie, alors que ses chances de survie semblaient très minces, Robinson a disposé de tout ce qu’il possédait. Les œuvres qui se trouvaient dans la maison ont été achetées par les Davis. M. Davis est mort durant les années 20 et son épouse, qui est décédée en 1947, avait prévu par testament que Robinson pourrait garder ses tableaux sa vie durant et que ceux-ci seraient ensuite donnés à différents musées du pays.

Ce sont probablement les remarques de Robert Ayre au sujet d’une exposition de Robinson à la West End Gallery de Montréal en 1951 qui résument le mieux l’artiste et son œuvre : « Il me semble que Robinson se situe quelque part entre le Groupe des Sept et Morrice. Originaire d’Hamilton, il a quitté l’Ontario et est venu à Montréal avant même que le Groupe soit solidement établi, avant que Lismer et Varley n’arrivent d’Angleterre; et bien qu’il ait peint avec certains membres du Groupe, en particulier Jackson et Holgate – un tard venu -, il n’a jamais fait partie du mouvement. Sauf pour les œuvres qu’il a réalisées quand il étudiait à Paris, il a toujours peint des scènes canadiennes, préférant cependant des paysages adoucis par l’influence de l’homme à la violence des contrées sauvages. La peinture de Robinson ne se résume pas tout simplement en un style plus doux que celui du Groupe des Sept ou plus dur que celui de Morrice; il est un peintre du positif possédant une vision et un style qui lui sont propres. Cela valait également pour le Groupe, mais Robinson était plus réservé, il tenait à son raffinement et plutôt que de laisser l’inspiration l’emporter lorsqu’il peignait des paysages, comme c’était parfois le cas pour les peintres du Groupe, il imposait à son art sa sensibilité sagace. »

Antonietta Brandeis 1849-1920

Antonietta Brandeis est née en 1849 à Myslkovice, village de Bohême méridionale dans l'actuelle république Tchèque.

Elle suit les cours de Karel Javurek (1815–1909) à l'école des Beaux-Arts de Prague.

Elle se rend ensuite à Venise où elle intègre l'académie des Beaux-Arts dirigée par Michelangelo Grigoletti (1801-1870).

"Santa Maria della Salute, Canal Grande"   Venezia

"Palazzo Falier"     Venezia

"Traghetto di Santa Maria Zobenigo"         Venezia

A Venise, elle côtoie les peintres autrichiens Franz Richard Unterberger (1838-1902), Karl Kaufmann (1843-1905) et Eugene de Blaas (1843-1931).

"Il Bacino di San Marco"     Venezia

A l'époque, les artistes autrichiens sont encore nombreux à Venise. En 1787, le traité de Campo-Formio, mettant un terme à la République de Venise, fit de la Vénétie une province de l'empire austro-hongrois. 
La Vénétie ne deviendra italienne qu'en 1866, soit près de cent ans plus tard et l'influence comme la présence autrichienne seront toujours sensibles à Venise dans la seconde moitié du XIX° siècle.

"Gondola su un canale"     Venezia

"Palazzo Albrizzi"       Venezia

Au XIX° siècle, Venise, au même titre que Rome, Florence où Naples, bénéficie pleinement du développement du tourisme international.

Ces villes italiennes sont devenues des étapes incontournables du "Grand Tour", périple touristique très en vogue en Europe et aux Etats-Unis.

"Palazzo Ca d’Oro"      Venezia

Les traditionnelles peintures dites "vedute" ou "vues" de ces villes constituaient alors des souvenirs très appréciés par une clientèle fortunée. L'importance de cette demande générera en Italie, et particulièrement à Venise, un afflux d'artistes de toutes nationalités.

"Piazza San Marco"    Venezia

"Palazzo Labia"     Venezia

Emil Nolde, peintre majeur de l'expressionnisme allemand magnifiquement mise en scène est organisée en coopération avec la Fondation Nolde Seebüll, avec comme commissaire d'exposition Manfred Reuther, ex directeur de cette fondation. Quatre vingt œuvres sont présentées, de ses premières peintures réalisées en 1895/96 à l'age de trente ans, peuplée de trolls grotesques inspirées des sagas scandinaves –Il réalise sur ce thème une série de cartes postales qui recueillent un grand succès et lui procurent des revenus conséquents qui lui permettrons ensuite de voyager– aux dernières œuvres des années 50.

Emil Nolde Josephs Versuchung 1921 oil on canvas 86,5 x 100,5 cm Nolde Foundation Seebüll © Nolde Foundation Seebüll, 2013 No royalties for publication if related to the exhibition at the Museum Frieder Burda, Baden-Baden

Séjournant à Paris au tournant du siècle, il est influencé par Manet, Daumier mais surtout par Gauguin et bien sur par Van Gogh et ensuite fortement par Munch.

Pour lui, les couleurs de Gauguin n'étaient pas assez nerveuses.

Emil Nolde Streitgespräch „Ungemalte Bilder“ 1938-1945 water color on paper 23,4 x 18 cm Nolde Foundation Seebüll © Nolde Foundation Seebüll, 2013 No royalities for publication if related to the exhibition at the Museum Frieder Burda, Baden-Baden

La couleur est pour Nolde un moyen d'expression naturel quasi instinctif, émotionnel, qui lui procure depuis son plus jeune age, une joie profonde. S'ajoutent son inventivité artistique et sa spontanéité qui font de cet artiste un virtuose de la couleur.

Emil Nolde Rote und gelbe Sonnenblumen around 1920 watercolour 36,2 x 48 cm Nolde Foundation Seebüll © Nolde Foundation Seebüll, 2013 No royalities for publication if related to the exhibition at the Museum Frieder Burda, Baden-Baden

Ses œuvres sont à la fois marquées par de nombreux et parfois lointains voyages à l'étranger et par un fort enracinement dans sa région d'origine, le Schleswig, situé à la frontière avec le Danemark. De Moscou à la Guinée, alors colonie allemande, il peint des personnages « en harmonie avec la nature ».

De sa période berlinoise, il représente des personnages de cabaret. On note ici des correspondances avec Matisse, la avec Asker Jorg... Certains tableaux font penser en effet au mouvement Cobra, pourtant plus tardif.

Emil Nolde Am Weintisch 1911 oil on canvas 88,5 x 73,5 cm Nolde Foundation Seebüll © Nolde Foundation Seebüll, 2013 No royalities for publication if related to the exhibition at the Museum Frieder Burda, Baden-Baden

Emil Nolde était religieux à la manière scandinave, peu démonstrative mais personnelle. Adam et Eve, le martyr des Chrétiens, les flammes de l'enfer sont pourtant représentées dans des couleurs fortes dessinant un univers prenant.

Emil Nolde est un romantique allemand fortement influencé nous dit Manfred Reuther par Caspar David Friedrich sans que cela soit explicite dans ses œuvres.

Emil Nolde Landschaft mit jungen Pferden 1916 oil on canvas 73,5 x 101 cm Nolde Foundation Seebüll © Nolde Foundation Seebüll, 2013 No royalities for publication if related to the exhibition at the Museum Frieder Burda, Baden-Baden

Notons que ses personnages sont rarement identifiables en tant qu'individus mais représentent le paysan, le pécheur, la danseuse, etc.

Pas non plus de connotation sexuelle affirmée dans ses représentations féminines qui se cantonnes à une sensualité distante et réservée.

Emil Nolde Selbstbildnis 1917 oil on wood 83 x 65 cm Nolde Foundation Seebüll © Nolde Foundation Seebüll, 2013 No royalities for publication if related to the exhibition at the Museum Frieder Burda, Baden-Baden

Rappelons qu'après avoir espéré en un avenir nouveau pour les arts au tout début du nazisme, il a ensuite subit une censure féroce, ses tableaux étant montrés comme exemple de l'art dégénéré. S'en est suivi une période jusqu'à la fin de la deuxième guerre mondiale ou, reclu dans sa maison, il réalise de très nombreuses peintures qu'il nomme non peintes, qu'il gardait bien évidemment cachées...

Emil Nolde Trollhois Garten 1907 oil on canvas 73,5 x 88 cm Nolde Foundation Seebüll © Nolde Foundation Seebüll No royalities for publication if related to the exhibition at the Museum Frieder Burda, Baden-Baden